La obra que inició el arte moderno.

«Las señoritas de Avignon» es una obra maestra revolucionaria de Pablo Picasso que marcó un punto de inflexión en la historia del arte. Es una obra cuya importancia trasciende el ámbito artístico para convertirse en un hito cultural. Para entender por qué marcó un antes y un después en la historia del arte, es crucial explorar sus antecedentes de inspiración y los nuevos caminos en el Arte que provocó:

Antecedentes de inspiración:

Arte africano y oceánico: Picasso y otros artistas de la época estaban fascinados por el arte africano y oceánico, que había comenzado a llegar a Europa a finales del siglo XIX. Estas formas de arte presentaban una estética radicalmente diferente a la europea, con una simplificación de formas y una expresividad que desafiaba las convenciones occidentales. Picasso incorporó elementos de estas tradiciones en «Las señoritas de Avignon», como se puede ver en las máscaras africanas que influyeron en las caras geométricas y estilizadas de las figuras.
Influencia de artistas contemporáneos: Además de las influencias de culturas no occidentales, Picasso también se vio influenciado por otros artistas de su tiempo, como Paul Cézanne y Georges Braque. Cézanne había comenzado a descomponer las formas en sus pinturas, cuestionando la representación tradicional del espacio y la forma. Esta influencia se puede observar en la manera en que Picasso fragmenta y descompone las figuras en «Las señoritas de Avignon». Por otro lado, la colaboración de Picasso con Braque en el desarrollo del cubismo también influyó en esta obra, sentando las bases para un nuevo enfoque en la representación pictórica.

Rompiendo con la perspectiva tradicional:

Picasso desafió las convenciones de la representación pictórica al abandonar la perspectiva lineal y la representación realista. En lugar de ello, presentó figuras geométricas y distorsionadas que desafiaban las normas de belleza y proporción establecidas.

*Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York*

Las Señoritas de Avignon: Una obra con cientos de bosquejos preliminares

Seis meses antes de pintar la pieza, Picasso comenzó a producir cientos de bocetos preparatorios. Mientras que la pintura final se presenta en óleo, muchos de estos estudios se completan en una variedad de medios, incluyendo lápiz y acuarela. Los estudios para Las Señoritas de Avignon demuestran la evolución del concepto y muestran los cambios realizados por el artista durante el proceso de planificación. Picasso trabajó en Las Señoritas de Avignon como nunca antes había trabajado en ninguna pintura. Un historiador del arte incluso ha afirmado que los cientos de pinturas y dibujos producidos durante sus seis meses de gestación constituyen «una cantidad de trabajo preparatorio único, para una sola imagen, no solo en la carrera de Picasso, sino en toda la historia del arte».

Abriendo caminos:

Cubismo: «Las señoritas de Avignon» es considerada una de las primeras obras del cubismo, un movimiento que revolucionó la forma en que se representaba la realidad en el arte. El cubismo buscaba mostrar la multiplicidad de perspectivas y la fragmentación de la realidad, rompiendo con la idea de una sola visión coherente. Esta obra de Picasso anticipa el cubismo al presentar figuras descompuestas y formas geométricas, sentando las bases para el desarrollo posterior de este movimiento.
Abstracción y distorsión de formas: Picasso desafió las convenciones de representación pictórica al distorsionar y descomponer las formas en «Las señoritas de Avignon». Esta ruptura con la representación realista abrió nuevos caminos hacia la abstracción en el arte, donde los artistas exploraron la representación de formas no figurativas y la expresión de conceptos abstractos.
Exploración de la sexualidad y la identidad: La representación de figuras femeninas desnudas en «Las señoritas de Avignon» desafió las normas sociales y culturales de la época, abriendo un camino hacia la exploración de la sexualidad y la identidad en el arte. Esta obra provocó controversia al cuestionar los tabúes en torno a la representación del cuerpo y la sexualidad en el arte, abriendo nuevas posibilidades de expresión para artistas posteriores.
Influencia en el arte moderno: Esta pintura ejerció una influencia duradera en el arte moderno, inspirando a generaciones posteriores de artistas a explorar nuevas formas de representación y expresión. Su impacto se puede ver en movimientos artísticos posteriores como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el arte contemporáneo.

El París de 1907, cuando Pablo Picasso creó «Las señoritas de Avignon», era un centro cultural y artístico vibrante, pero también estaba marcado por importantes cambios históricos, sociales y económicos:

Contexto histórico:

Inicio del siglo XX: París estaba experimentando la transición de la Belle Époque al período de entreguerras. Este período se caracterizó por avances significativos en la ciencia, la tecnología y la industria, así como por cambios políticos y sociales profundos.
Precedentes de la Belle Époque: La Belle Époque, que abarcó aproximadamente desde finales del siglo XIX hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, fue una época de relativa estabilidad y prosperidad en Francia. Sin embargo, también estuvo marcada por tensiones sociales y políticas, así como por la agitación cultural y artística.

Contexto social:

Explosión demográfica: París experimentó un rápido crecimiento demográfico durante este período, atrayendo a artistas, intelectuales y trabajadores de diversas partes del mundo. Esto contribuyó a la diversidad y la efervescencia cultural de la ciudad.
Bohemia artística: Montmartre y Montparnasse se convirtieron en enclaves para artistas, escritores y músicos que buscaban libertad creativa y un estilo de vida bohemio. Estos barrios eran conocidos por sus cafés, cabarés y estudios de artistas, donde se gestaban nuevas ideas y movimientos artísticos.

Picasso en el local Lapin Agile. En su época de mayor esplendor, bajo la dirección del músico, pintor, poeta y animador Frédéric Gérard (conocido como *Père Frédé*)

Interior del estudio de Picasso en Bateau-Lavoir

Contexto económico:

Auge industrial: Francia experimentaba un período de crecimiento económico impulsado por la industrialización y la expansión de sectores como la minería, la metalurgia y la manufactura. Este crecimiento económico contribuyó a la atracción de inmigrantes y al desarrollo de la ciudad.
Mercado del arte: París se consolidaba como el epicentro del mercado del arte, con galerías, subastas y ferias que atraían a coleccionistas y mecenas de todo el mundo. Este contexto fomentaba la experimentación artística y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

En este contexto histórico, social y económico, Picasso creó «Las señoritas de Avignon» como una respuesta a los desafíos y las oportunidades de su tiempo. La obra refleja la diversidad y la complejidad de la vida urbana en París, así como las tensiones entre la tradición y la innovación, estableciendo así las bases para una nueva era en la historia del arte.

«Las señoritas de Avignon» de Picasso marcó un antes y un después en la historia del arte al desafiar las convenciones establecidas, abrir nuevos caminos en la representación pictórica y sentar las bases para movimientos artísticos posteriores. Su audacia y originalidad continúan inspirando a artistas y espectadores hasta el día de hoy.

Explorando las Teorías de Kandinsky: «Punto y Línea sobre Plano»

Wassily Kandinsky, pionero del arte abstracto, dejó un legado duradero no solo en su obra pictórica, sino también en sus escritos teóricos. Su libro de 1926, «Punto y Línea sobre Plano», es una obra seminal que explora las interconexiones entre formas geométricas básicas, colores y la experiencia emocional del espectador. Ésta es una breve aproximación a los postulados teóricos que Kandinsky plantea en esta obra.

El Punto y la Línea: Fundamentos de la Forma

Kandinsky comienza su exploración abordando el concepto del punto y la línea como elementos fundamentales en la creación artística. Para él, el punto representa la unidad mínima, una entidad concentrada que puede ser la semilla de toda creación visual. Es el resultado del «choque» de un instrumento sobre una superficie. El punto está en reposo hasta que una «fuerza» incide en él, al moverse, surge la línea. La línea, por otro lado, es una extensión del punto que puede viajar libremente a través del espacio, definiendo direcciones y creando formas más complejas. Si el punto se mueve en una sola dirección hace surgir la línea recta, pero si dos puntos chocan desde diferentes direcciones generan líneas quebradas o angulares.

De la línea recta, fruto de una sola fuerza con una dirección determinada, nacen tres formas geométricas básicas:

• El triángulo: resultado del impacto de tres fuerzas con la misma magnitud e intensidad y desde un ángulo de 45 grados.

• El cuadrado: resultado del impacto de cuatro fuerzas con la misma magnitud e intensidad y desde un ángulo de 90 grados.

• Y el círculo: quizás la idea teórica más interesante que, según Kandinsky, es el resultado de una fuerza inicial que origina una primera instancia de línea que es inmediatamente corregida por una cantidad infinita de fuerzas, de la misma intensidad y magnitud de ángulos obtusos (135 grados) que inciden con frecuencia muy alta sobre el recorrido de la línea de manera constante provocando que la linea se curve de manera perfecta.

Otros resultados gráficos que se derivan de este planteamiento, son las líneas quebradas de ángulos rectos, resultado de la incidencia de varias fuerzas y que no tienen porque ser de la misma intensidad y magnitud, ni mismo ángulo; y las líneas quebradas mixtas, es decir, las constituidas aleatoriamente por ángulos rectos y curvas, todos ellos con diferentes intensidades, magnitudes y ángulos.

La curva ondulada geométricamente. Hay dos tipos de curva: la ondulada geométricamente en las que los radios y las presiones positivas y negativas son iguales… y la ondulada libremente, en las que desaparece el aspecto geométrico y los radios y las presiones negativas-positivas están “al libre albedrío” La anchura de las líneas es importante, porque aumenta su sonoridad.

La Influencia del Color: Emoción y Vibración

Kandinsky creía que los colores tienen una influencia directa en las emociones y sensaciones del espectador. Asocia cada color con un estado de ánimo o un concepto espiritual, creando así un lenguaje visual rico y complejo. Para él, los colores no son simplemente entidades visuales, sino portadores de significado y expresión emocional.

Las líneas quebradas se pueden esquematizar en tres grupos: líneas quebradas con ángulo agudo (45º), líneas quebradas con ángulo recto (90º) y líneas quebradas con ángulo obtuso (135º). Estos ángulos son la transición necesaria antes de llegar a las formas básicas: el ángulo agudo se resuelve en triángulo, el ángulo recto en cuadrado y el ángulo obtuso en círculo.

Y es en este punto donde Kandinsky sugiere la relación entre ángulos y colores y, por extensión, entre formas básicas y colores: el ángulo agudo está más cerca del máximo de calor y tiene por tanto coloración amarilla; el ángulo obtuso está más cerca del máximo de frío y tiene entonces color azul; entre estos dos extremos se encuentran el ángulo recto y el color rojo.

Sinestesia: La Fusión de los Sentidos

Una de las ideas más fascinantes que Kandinsky explora es la sinestesia, la idea de que los estímulos de un sentido pueden provocar experiencias en otro sentido. Para él, el arte abstracto tiene el poder de evocar sensaciones similares a la música, donde la combinación de formas y colores puede desencadenar respuestas emocionales profundas en el espectador.

Abstracción: Más Allá de la Representación

Por encima de todo, Kandinsky aboga por la liberación del arte de la representación figurativa, permitiendo la expresión pura de formas y colores. Él ve en el arte abstracto la oportunidad de una comunicación más directa y universal, donde la mente del espectador es libre para interpretar y encontrar su propio significado en la obra.

La Belleza de la Abstracción

En «Punto y Línea sobre Plano», Kandinsky ofrece una visión profunda y emocionante del arte abstracto, revelando la magia y la complejidad detrás de formas y colores aparentemente simples. A través de sus teorías, invita a contemplar el mundo de una manera nueva, a través de los ojos del artista y del espectador, donde la expresión pura y la emoción se entrelazan en un baile vibrante de creatividad.

Cuando Vassily se encontró con Joan…

Llamativa y profunda es la relación entre la visión de Miró y la de otro genio capaz de plasmar poesía sobre el lienzo: Vassily Kandinsky.

Es indudable que Miró estaba muy lejos de la abstracción lírica del pintor ruso. Su cosmogonía era telúrica, firmemente aferrada a la tierra.

Pero los paralelismos entre ambos son poderosos: Miró había quedado fascinado al descubrir la obra de Kandinsky en los años veinte. Escribiría Miró: «Recuerdo sus pequeñas exposiciones en la Galerie Zack y en la Galerie Jeanne Bucher, en el boulevard de Montparnasse. Sus gouaches me llegaban al fondo del corazón, se podía, al fin, escuchar música al mismo tiempo y leer un bello poema. Eso era algo mucho más ambicioso y profundo que el frío cálculo de Sectión d’Or» [el colectivo asociado al cubismo y el orfismo]

Se conocieron y entablaron gran amistad cuando el pintor ruso se mudó a Francia en 1933. De nuevo Miró: «Tuve el honor de tratar a Kandinsky desde que salió de la Alemania nazi para instalarse en París. En aquellos momentos todos los maestros se negaban educadamente a aceptarle, los críticos le tildaban de profesor de escuela y ponían la etiqueta de trabajos de ganchillo a sus cuadros.
Este Gran Príncipe del espíritu, este Gran Señor, vivía muy aislado, sólo veía a muy pocas personas, que le eran totalmente fieles.
André Breton nos hablaba de él como de alguien que había ido más allá de la pintura y que nos aportaba la inspiración de Oriente«.

También establecieron una estrecha relación sus respectivas esposas: Pilar Juncosa y Nina Andreevskaya. Se creó un poderoso vínculo personal: fueron juntos de vacaciones, Nina y Vasily estuvieron en Mont-roig en 1935, expusieron juntos en varias ocasiones e intercambiaron pinturas.

Finalmente, se sabe que Kandinsky visitó a la familia Miró en su refugio de Varengeville al menos una vez.

La admiración mutua era enorme, casi mística ¿Cómo no iban a influenciarse el uno al otro?

Los universos de formas orgánicas, la afinidad de sus formas y colores, la expresión del mundo interior del artista y de su visión imaginaria…

Kandinsky nunca buscó la abstracción pura, carente de referencias del mundo real: siempre hay una realidad mental o natural detrás de sus obras abstracta. Ciertamente, la visión final de Vasily es abstracta y la de Miró simbólica.

Pero ambos desarrollan un universo de ingravidez, un espacio sin horizonte en que las figuras se revelan en todas direcciones, con el dinamismo de una coreografía y la vehemencia del color puro.

Mientras Kandinsky desarrolla una obra que se aproxima a la música, las Constelaciones de Miró se acercan a la danza.
Una danza cósmica, en que el universo entero constituye una unidad, con el impacto emocional del color.

Fuente: Galerías de Arte Barcelona. Autor: Edi Kastas

Kandinsky y Miró: Una amistad artística

En la vibrante escena artística del siglo XX, las relaciones entre artistas a menudo han sido fuentes de inspiración y desarrollo creativo. Uno de los encuentros más significativos fue el de Vassily Kandinsky y Joan Miró, dos gigantes del arte moderno cuyas obras revolucionaron la manera en que entendemos el arte abstracto y surrealista.

La amistad entre Kandinsky y Miró no solo se basó en un profundo respeto mutuo, sino que también se convirtió en un terreno fértil para la exploración artística y la influencia creativa. Aunque provenientes de diferentes contextos culturales y estilísticos, encontraron puntos de convergencia en sus visiones artísticas y en su búsqueda de la expresión emocional y espiritual a través del arte.

Una de las influencias más evidentes fue el intercambio de ideas sobre la abstracción. Kandinsky, conocido como el padre del arte abstracto, compartió con Miró su fascinación por liberar al arte de las limitaciones de la representación figurativa. Esta influencia se refleja en la obra de Miró, quien experimentó con formas abstractas y símbolos surrealistas, dando lugar a un lenguaje visual único que exploraba lo irracional y lo intuitivo.

Del mismo modo, Miró influyó en Kandinsky con su enfoque surrealista y su uso innovador del color y la forma. Aunque Kandinsky se centraba principalmente en la abstracción geométrica, la obra de Miró despertó en él una nueva apreciación por la libertad creativa y la experimentación visual. Esta influencia se puede observar en algunas de las obras tardías de Kandinsky, donde se percibe una mayor fluidez y espontaneidad en las formas y los colores.

Centro acompañado. 1937. Vassily Kandinsky

Formas caprichosas, 1937. Vassily Kandinsky

Alrededor del círculo, 1940. Vassily Kandisnsky

Acciones variadas, 1941. Vassily Kandinsky

Ribbon with squares, 1944. Vassily Kandisnsky

Además de las influencias estilísticas, la amistad entre Kandinsky y Miró también fue una fuente de apoyo emocional y creativo. Se escribían cartas regularmente, compartiendo ideas, reflexiones y proyectos artísticos. Esta conexión personal ayudó a alimentar la creatividad de ambos artistas, brindándoles un sentido de comunidad en un mundo artístico en constante cambio.

En última instancia, la relación entre Vassily Kandinsky y Joan Miró fue mucho más que una simple amistad; fue un diálogo creativo que enriqueció las trayectorias artísticas de ambos artistas y dejó una marca indeleble en la historia del arte moderno. A través de su colaboración informal y su intercambio de ideas, Kandinsky y Miró trascendieron las barreras del tiempo y el espacio, creando un legado artístico que continúa inspirando a generaciones de artistas en todo el mundo.

Cómo calcular fácilmente la proporción áurea de un segmento.

La proporción áurea, también conocida como la divina proporción, el número de oro o la razón áurea, es una relación matemática especial que ha fascinado a matemáticos, artistas, arquitectos y filósofos durante siglos. Aunque no hay un inventor específico de la proporción áurea, ha sido reconocida y utilizada desde tiempos antiguos.

El interés por esta proporción se remonta a la antigua Grecia, donde se atribuye a los pitagóricos la exploración de sus propiedades matemáticas y geométricas. Sin embargo, su nombre «proporción áurea» proviene de la asociación con el número áureo (el número de oro), un término que fue utilizado por primera vez en el siglo XIX por el matemático alemán Martin Ohm.

La propoción áurea es una relación matemática especial que se encuentra en muchos aspectos de la naturaleza, el arte y la arquitectura. Se representa mediante la letra griega phi (φ) y tiene un valor aproximado de 1.618033988749895. Es un número irracional y tiende al infinito.

La relación de la proporción áurea se puede resolver mediante varios métodos como en la siguiente ecuación:

La proporción áurea se define de la siguiente manera: si un segmento se divide en dos partes de manera que la relación entre la longitud del segmento completo (a) y la longitud de la parte más larga (b) sea igual a la relación entre la parte más larga (b) y la parte más corta (c), entonces se dice que es una proporción áurea.

Existe un método muy sencillo de resolver la proporción áurea de un segmento dado.

Supongamos que la longitud total de nuestro segmento es 100. Llamaremos a este segmento (a). Y queremos dividirlo en dos segmentos (b) y (c) según la proporción áurea.

Sólo tenemos que dividir a=100 por el número de oro 1,618, cuyo resultado es igual a 61,80. Esta es la medida de uno de los segmentos, supongamos (b). Ahora sólo nos queda restar la medida (b) = 61,80 de la medida (a) =100.

100(a) – 61,80(b) = 38,2 sería la medida (c)

Así, obtendríamos que un segmento (a) de longitud total = 100 si se divide en dos segmentos que midan (b) = 61,80 y (c) = 38,2 cumplirá con la proporción áurea o la regla de oro.

La proporción áurea puede encontrarse en diversas formas en la naturaleza, como en la disposición de las hojas en una planta, la estructura de los caparazones de ciertos moluscos, la forma de las galaxias, etc. También ha sido ampliamente utilizada en el arte y la arquitectura a lo largo de la historia.

Algunos ejemplos prácticos de su aplicación incluyen:

Arquitectura: Muchas obras arquitectónicas famosas han utilizado la proporción áurea en su diseño. Por ejemplo, la Gran Pirámide de Giza en Egipto se cree que tiene ciertas proporciones que se relacionan con el número de oro.
Arte: Artistas como Leonardo da Vinci y Salvador Dalí han utilizado la proporción áurea en sus obras. Por ejemplo, la Mona Lisa de da Vinci y La Última Cena son ejemplos de obras que se dice que siguen los principios de la proporción áurea.
Fotografía y Diseño Gráfico: Los fotógrafos y diseñadores gráficos a menudo utilizan la proporción áurea para componer imágenes de manera más estéticamente agradable. La regla de los tercios en fotografía es una aplicación común de esta proporción.
Música: Algunos compositores han utilizado la proporción áurea en la estructura de sus obras musicales, tanto en la composición de piezas individuales como en la organización de álbumes completos.

La proporción áurea es una relación matemática especial que se encuentra en muchos aspectos de la naturaleza, el arte y el diseño. Su aplicación puede generar composiciones visualmente atractivas y armoniosas.

Antoni Gaudí (I): Maestro del Modernismo y Arquitecto Visionario

En el tapiz vibrante del modernismo catalán, ningún nombre brilla con tanta intensidad como el de Antoni Gaudí. Este genio arquitectónico, nacido en Reus, Cataluña, en 1852, dejó un legado incomparable que fusiona la arquitectura con la naturaleza, la espiritualidad y la innovación técnica. Su obra emblemática, como la Sagrada Familia y el Parque Güell, ha dejado una marca indeleble en la historia de la arquitectura y ha inspirado a generaciones de artistas y arquitectos.

La Vida y el Contexto de Gaudí

La infancia de Gaudí fue moldeada por las bellezas naturales de Cataluña y la riqueza de su patrimonio cultural. Estudió arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde rápidamente destacó por su creatividad y su enfoque poco convencional. Influenciado por el historicismo, el gótico catalán y las formas orgánicas de la naturaleza, Gaudí desarrolló un estilo único que desafió las convenciones arquitectónicas de su tiempo.

Mientras estudiaba arquitectura, Antoni Gaudí comenzó a colaborar como delineante con sus profesores realizando decenas de proyectos. El inicio de su carrera profesional coincide con la llegada de la luz eléctrica a Barcelona (la primera gran central data de 1883), y desde el principio el arquitecto destacó como diseñador de iluminado público y privado, encargándose del alumbrado de diferentes plazas: dos ejemplos de ese trabajo son las farolas de Pla de Palau y Plaza Real (1879). En esta primera etapa, Gaudí se consolida como arquitecto y decorador popular, realizando diferentes proyectos para cooperativas obreras así como salas de cine, bares y restaurantes, sin olvidar el diseño de mobiliario, lámparas y escaparates.

Fue precisamente un profesor de Gaudí, Joan Martorell, quien en 1883 le presentó a Eusebi Güell, destacado personaje de la burguesía catalana que acabó siendo su principal mecenas. Gracias a Eusebi realizó obras que continuaban su etapa orientalista como El Capricho (1883-1885), y directamente para él acabó realizando algunas de sus obras más destacadas como la Finca Güell y el Palau Güell (entre 1883 y 1890) o posteriormente el Park Güell y la Cripta de la Colònia Güell (1900-1914).

Curiosamente, el mismo día que conoció a Eusebi, Joan Martorell le ofreció a Gaudí continuar con las obras de la Sagrada Familia, proyecto que hasta la fecha dirigía uno de sus profesores, Francisco del Villar. Sin duda, aquel día cambió la vida de Antoni Gaudí.

La Influencia de Gaudí en el Modernismo

La obra de Gaudí trasciende los límites de la arquitectura convencional y ha dejado una profunda huella en el movimiento modernista. Su enfoque holístico hacia el diseño, su uso innovador de materiales y su obsesión por el detalle han inspirado a generaciones de arquitectos, artistas y diseñadores. Su énfasis en la conexión entre la arquitectura y la naturaleza también ha resonado en movimientos contemporáneos como la arquitectura sostenible y bioclimática.

Su obra es profusa y llena de maravillosos hallazgos. Desde los increíbles vitrales que pintan con luz el interior de sus construcciones hasta el diseño específico de mobiliario que decora sus interiores.

Su actividad creativa va desde 1882 con el inicio de la construcción de la Basílica de la Sagrada Familia hasta 1906 con la construcción de la Cripta Güell. Nueve son las obras elegidas:

Basílica de la Sagrada Familia (1882) – I
Casa Vicens (1883) – I
El Capricho (1883) – I
Finca Güell (1884) – II
Palau Güell (1886) – II
Casa Calvet (1889) – II
Park Güell (1900) – III
Casa Milá – La Pedrera (1906) – III
Cripta Güell (1909) – III

Para que este artículo no sea demasiado largo y difícil en su carga, se ha decidido dividir en tres partes. En cada una de ellas se agrupan tres obras del genial arquitecto por orden cronológico.

La Obra Maestra de Gaudí: La Sagrada Familia

La Sagrada Familia, quizás la obra más famosa de Gaudí, es un monumento a la visión y la perseverancia. Comenzó su construcción en 1882 y, a su muerte en 1926, solo una fracción de la obra estaba completada. La iglesia, aún en construcción, es un testimonio de la dedicación de Gaudí a su arte y su fe. Su diseño innovador, con sus torres esbeltas y su intrincada fachada, fusiona elementos góticos y modernistas en una síntesis única que cautiva a los espectadores de todo el mundo.

Vistas desde la montaña hacia el mar del ábside y la torre de la Madre de Dios y la fachada de la Pasión.

El Capricho: Una fantasía oriental.

«El Capricho» es una obra arquitectónica única creada por el renombrado arquitecto catalán Antoni Gaudí. Situada en la localidad de Comillas, en Cantabria, España, esta casa de veraneo fue encargada por el mecenas y político Máximo Díaz de Quijano a finales del siglo XIX.

Se le conoce con el nombre de «El Capricho» por su sentido musical, que procede de la analogía con la pieza musical de estilo libre así llamada.

La obra refleja el estilo distintivo y la creatividad inigualable de Gaudí, con una mezcla de elementos modernistas y naturalistas. Se caracteriza por sus formas orgánicas, detalles ornamentales inspirados en la naturaleza y el uso innovador de materiales como el ladrillo, la cerámica y el hierro forjado.

El diseño de «El Capricho» presenta una combinación de influencias orientales y formas geométricas, con una torre central que evoca una pagoda. Los elementos decorativos, como las flores, hojas y animales estilizados, están integrados de manera armoniosa en la estructura, creando una sensación de fantasía y movimiento.

La casa también destaca por sus características técnicas avanzadas para la época, como el sistema de calefacción por conductos de aire caliente y el uso de materiales de construcción resistentes al fuego.

«El Capricho» es una obra maestra arquitectónica que muestra la genialidad de Antoni Gaudí y su capacidad para fusionar la naturaleza, la innovación técnica y la belleza estética en un diseño único e inolvidable.

Casa Vicens: El primer gran proyecto.

La Casa Vicens es una de las primeras obras maestras de Antoni Gaudí y un hito importante en el desarrollo de su estilo arquitectónico único. Ubicada en el barrio de Gràcia en Barcelona, España, esta casa fue construida entre 1883 y 1885 como residencia de verano para la familia Vicens, encargada por Manuel Vicens i Montaner, un comerciante y corredor de bolsa.

La Casa Vicens es un ejemplo excepcional de la arquitectura modernista catalana, caracterizada por su exuberancia decorativa, el uso de materiales locales y la integración de la naturaleza en el diseño arquitectónico. Gaudí combinó elementos tradicionales españoles, como los azulejos de cerámica, con influencias orientales y formas orgánicas inspiradas en la flora y fauna local.

El exterior de la Casa Vicens es impresionante, con una fachada ricamente ornamentada que incorpora una variedad de colores, texturas y patrones geométricos. Los balcones de hierro forjado, las torres con techos de tejas y las ventanas de formas sinuosas añaden un aire de fantasía y elegancia a la estructura.

En el interior, Gaudí creó espacios luminosos y fluidos, utilizando una paleta de colores vivos y materiales naturales como la madera y el yeso. Cada detalle, desde los techos ornamentados hasta los azulejos decorativos y las vidrieras, refleja la atención meticulosa del arquitecto hacia la artesanía y el diseño.

La Casa Vicens es una joya arquitectónica que ejemplifica la creatividad y la innovación de Gaudí, sentando las bases para sus futuras obras maestras como la Sagrada Familia y el Parque Güell. Hoy en día, la casa está abierta al público como museo, permitiendo a los visitantes explorar de cerca el genio creativo de uno de los arquitectos más influyentes de la historia.

Legado y Reconocimiento

Aunque Gaudí murió trágicamente atropellado por un tranvía en 1926, su legado perdura en las calles de Barcelona y más allá. La Sagrada Familia sigue siendo un imán para millones de visitantes cada año, y sus otras obras, como la Casa Batlló y la Casa Milà, también son destinos turísticos populares. En 1984, varios de sus edificios fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, en reconocimiento a su significado cultural y artístico.

Antoni Gaudí fue mucho más que un arquitecto visionario; fue un poeta de la piedra y el hormigón, un alquimista que transformó la materia en belleza y un profeta cuya obra sigue inspirando asombro y admiración en todo el mundo. Su legado perdura como un faro de creatividad, innovación y espiritualidad en un mundo en constante cambio, recordándonos la capacidad del arte para elevar el alma y trascender los límites de lo posible.

Metamodernismo: Más allá de la Posmodernidad

El Metamodernismo es un concepto filosófico y cultural que se ha desarrollado en las últimas décadas como una respuesta a la Posmodernidad. Aunque no existe una definición única y definitiva del Metamodernismo, se puede entender como un intento de superar algunas de las limitaciones percibidas de la posmodernidad y reconciliar aspectos de la modernidad y la Posmodernidad en un nuevo marco. En lugar de rechazar por completo estas épocas, busca fusionar elementos de ambas. Esto implica una apreciación por la innovación y la deconstrucción posmoderna, junto con un deseo de construir narrativas significativas y buscar utopías personales y colectivas.

El Metamodernismo nos desafía a tejer nuestras propias narrativas en un mundo cada vez más diverso y complejo. A medida que enfrentamos incertidumbres y dilemas, las historias que creamos nos ayudan a dar sentido a nuestras experiencias. A través de la narrativa, exploramos nuestras propias identidades y buscamos un propósito en medio de la paradoja.

Aquí algunas características y conceptos clave asociados con el Metamodernismo:

• Oscilación:

El Metamodernismo se caracteriza por una oscilación entre diferentes enfoques, actitudes y valores. Los Metamodernistas tienden a abrazar la ambigüedad y la contradicción, reconociendo que la realidad es compleja y multidimensional.

• Ironía y sinceridad:

A diferencia de la Posmodernidad, que a menudo se enfoca en la ironía y el escepticismo, el Metamodernismo abraza tanto la ironía como la sinceridad. Los Metamodernistas pueden emplear la ironía para explorar temas complejos, pero también se permiten momentos de autenticidad y compromiso sincero.

• Narrativa y utopía:

El Metamodernismo a menudo se centra en la construcción de narrativas y la búsqueda de utopía, a pesar de reconocer la falta de un relato maestro universal. Los Metamodernistas buscan crear significado a través de historias personales y colectivas, incluso si esas historias son provisionales y cambiantes.

• Optimismo reflexivo:

Aunque el Metamodernismo reconoce las incertidumbres y desafíos de la vida moderna, también promueve un optimismo reflexivo. Los Metamodernistas creen en la posibilidad de un cambio positivo y la construcción de un mundo mejor, pero con una comprensión de que no hay soluciones simples o definitivas.

• Eclecticismo cultural:

El Metamodernismo abraza la diversidad cultural y la intertextualidad, incorporando elementos de diversas tradiciones culturales y filosóficas en su enfoque. Esto a menudo se refleja en la mezcla de estilos y géneros en el arte y la cultura Metamodernista.

Es importante destacar que el Metamodernismo es un concepto en evolución y ha sido discutido y definido de diversas maneras por diferentes pensadores y artistas. No existe una única teoría o definición universalmente aceptada, y su interpretación puede variar según el contexto y la disciplina en la que se aplique.

Antecedentes filosóficos: Breves apuntes

Modernidad: En busca de la Razón y el Progreso

La Modernidad, que comenzó en el siglo XVII y se extendió hasta el siglo XIX, fuen una época marcada por la confianza en la razón y la búsqueda del progreso. Durante esta era, la ciencia, la tecnología y el pensamiento lógico se elevaron a nuevos niveles. Los pensadores como René Descartes y John Locke promovieron la idea de que la razón podía desentrañar los misterios del mundo.

Uno de los aspectos clave de la Modernidad fue la creencia en una verdad universal y la búsqueda de un conocimiento objetivo. La ciencia y la filosofía modernas buscaban respuestas definitivas, y la fe en el progreso humano era la norma. El movimiento ilustrado es un ejemplo destacado de este período, con su énfasis en la educación y el pensamiento crítico.

Posmodernidad: Desafiando las grandes narrativas

A medida que avanzábamos hacia el siglo XX, surgieron nuevas perspectivas en la filosofía y la cultura. La Posmodernidad, que se desarrolló a lo largo del siglo XX, cuestionó muchas de las creencias de la Modernidad. Uno de los temas clave de esta era fue el escepticismo hacia las llamadas “grandes narrativas”. En otras palabras, la Posmodernidad nos hizo dudar de la existencia de una única verdad universal.

La ironía y la ambigüedad se convirtieron en características centrales de la Posmodernidad. El pensamiento posmoderno se basaba en la idea de que nuestras creencias y valores están moldeados por nuestra cultura y contexto, y no hay una verdad absoluta. Esto llevó a una explosión de la diversidad en el arte, la literatura y la cultura, donde no existía una manera “correcta” de expresarse.

Cada una de estas eras filosóficas, Modernidad, Posmodernidad y Metamodernidad ha dejado una huella en nuestra cultura y en la forma en que nos relacionamos con el mundo. Comprender estas perspectivas puede ayudarnos a apreciar la complejidad de la vida moderna y a navegar por las olas de la ambigüedad con optimismo reflexivo.

En última instancia, lo que todas estas eras comparten es un deseo de explorar, cuestionar y evolucionar. A medida que el viaje filosófico continua, es importante recordar que las perspectivas del pensamiento humano siempre están en constante cambio, y eso es que la filosofía sea tan fascinante.

Imágenes generadas con IA.

Ovnis a través de los siglos: Arte que desafía la imaginación.

A lo largo de la historia, las civilizaciones de todo el mundo han dejado huellas de su creatividad en forma de pinturas, grabados y escritos que nos han llegado hasta nuestros días. Entre estas obras de arte, se encuentran representaciones de naves voladoras que desafían la comprensión humana y que han dejado perplejos a los investigadores. Desde las pinturas rupestres wondjina en Australia hasta ilustraciones chinas del siglo XIX, estas representaciones evocan la posibilidad de encuentros con seres o tecnologías más allá de nuestro entendimiento. Se podrí decir, que todas las culturas en algún momento histórico han entrado en contacto con este fenómeno y es ingente la cantidad de testimonios y pruebas. A continuación, se mencionan unas cuantas.

Las pinturas rupestres wondjina (170.000 AC): Misterios en la roca

Comenzamos nuestro viaje en el continente australiano, donde las pinturas rupestres wondjina en Kimberley, Australia Occidental, datan de hace aproximadamente 170.000 años. Estas representaciones de figuras humanoides con cabezas en forma de casco y ojos en blanco han llevado a especulaciones sobre la posibilidad de que los antiguos aborígenes australianos hubieran sido testigos de visitantes de otros mundos.

Las cavernas de Chhattisgarth y el valle de Narmanda: Encuentros en las profundidades de la India

En la India, las cavernas de Chhattisgarh y el valle de Narmanda, específicamente el refugio denominado Rajatole, contienen petroglifos y representaciones de seres y objetos voladores que se remontan a tiempos antiguos. Estas misteriosas imágenes insinúan la posibilidad de que las civilizaciones indias tuvieran contacto con seres o tecnologías avanzadas.

Petroglifos en Val Camonica (Italia): El enigma de las rocas talladas

En Italia, los petroglifos en Val Camonica nos muestran figuras humanas que parecen estar vinculadas a naves voladoras, planteando interrogantes sobre si las antiguas culturas mediterráneas podrían haber presenciado eventos inexplicables en el cielo.

Fuerte de Samaipata (Bolivia): Marcas en las alturas

En Bolivia, el Fuerte de Samaipata alberga representaciones talladas en la piedra que se asemejan a figuras humanas en poses inusuales y objetos que parecen volar en el aire. ¿Podrían estas creaciones tener una conexión con avistamientos históricos de naves voladoras en los cielos bolivianos?

Piedras de jade en cavernas de Puebla (México): Tesoros bajo tierra

En México, las piedras de jade talladas en las cavernas de Puebla cuentan historias de seres que pilotaban extrañas naves voladoras e interactuaban con los pobladores nativos. Estas representaciones en jade han dejado una marca duradera en la historia de la cultura mexicana.

Registros escritos y manuscritos: Del siglo XV al XIX

Más allá de las representaciones visuales, registros escritos como el libro “Annales Laurissenses Maiores”, el “Libro de los Prodigios” de Aldo Menuzio o “El Libro de las Buenas Costumbres” de Jacques Legrand, entre otros, han dejado constancia de avistamientos inexplicables en el cielo. Estos textos plantean interrogantes sobre la percepción y la interpretación de fenómenos aéreos en épocas pasadas.

Ilustraciones del libro “Annales Laurissenses Maiores”

Ilustración de «El libro de los Prodigios»

Ilustración del «Libro de las Buenas Costumbres»

El arte europeo: Pinturas y tapices

El arte europeo también ha dejado rastros de naves voladoras en obras como “La Madonna de San Giovannino” y “La Anunciación de San Emigdio” de Carlo Crivelli, así como en el tapiz “El triunfo del verano” de 1538. Estas representaciones sugieren que los artistas de la época podrían haber estado influenciados por avistamientos de objetos en el cielo.

Detalle de la pintura «La Madonna de San Giovannino»

Detalles de «La Anunciación de San Emigdio»

De Asia a Europa: Una conexión global

Finalmente, en ilustraciones chinas como “Llamas rojas en el cielo” de Wu Youru y en el relato del “Utsuro-bune” de Nagahashi Matajirou, se plantea la idea de que los encuentros con naves voladoras podrían haber sido una experiencia compartida a nivel global, transcendiendo fronteras culturales y temporales.

Estas representaciones artísticas y registros históricos nos invitan a cuestionar nuestra comprensión de la historia y a considerar la posibilidad de que los encuentros con naves voladoras hayan sido una parte constante de la experiencia humana a lo largo de los siglos. Ya sea como expresiones artísticas o registros escritos, estas evidencias nos instan a mantener la mente abierta ante los misterios que aún no comprendemos completamente.

La Cultura Huichol.

Los hilos de la espiritualidad.

Enclavados en las áridas tierras del oeste de México, el pueblo huichol, también conocido como wixárikas, florece como un tesoro cultural en constante diálogo con sus raíces ancestrales. Su rica tradición artística, profundas creencias espirituales y su estilo de vida comunitario son puntos de interés tanto para antropólogos como para amantes del arte y la espiritualidad.

Los Huicholes han habitado la región montañosa de Jalisco, Nayarit, Durango y Zacatecas durante siglos. Su sociedad se caracteriza por una estructura comunitaria y una profunda conexión con la tierra. La religión juega un papel central en sus vidas, y su creencia en la “Madre Tierra” y el “Padre Sol” se manifiesta en la devoción al peyote, una planta sagrada que consideran un puente hacia lo divino.

El Peyote: Portal a lo Sagrado

La ceremonia del peyote es uno de los pilares de la espiritualidad huichol. A través de esta ceremonia, buscan obtener visiones que les guíen en su vida cotidiana y les conecten con sus antepasados. El peyote, una pequeña cactácea, se considera una manifestación del dios “Tatewari”, y su consumo se lleva a cabo con gran reverencia y cuidado. Los Huicholes creen que esta planta es la fuente de la vida y la sabiduría espiritual.

Arte Huichol: Un viaje espiritual en color

El arte huichol es una manifestación visual de su profunda espiritualidad. Los huicholes utilizan cuentas de vibrantes colores (chaquiras) y cera de abeja para crear intrincados cuadros y esculturas que reflejan sus visiones de la naturaleza y los dioses. Cada pieza es un testimonio de su conexión con el cosmos y el mundo natural que les rodea. La estructura de los símbolos que aplican a sus diseños y su significado, pertenecen a un código ancestral.

Los “nierika”, cuadros de chaquira que retratan visiones de peyote, son ejemplos asombrosos de esta expresión artística única. Cada cuenta en estos cuadros representa una parte de la visión espiritual experimentada, “nierika”, que significa “don de ver”, que hace referencia a un “instrumento para ver” o que es alusivo a la “visión de los dioses ancestrales”. Para los wixaritari, el nierika se obtiene por medio de un ritual que tiene por finalidad conocer el “estado oculto” o “auténtico” de las cosas. Los huicholes también crean intrincadas esculturas de cera que representan animales, plantas y dioses en un estilo abstracto y colorido.

Espectacular escultura de venado hecha con chaquiras. Obra de artesanos Wirákira.

Calavera decorada. Edición Muxe – Ascalapha.

Cascos de La Guerra de las Galaxias a tamaño natural, decorados con chaquiras.

El futuro del arte Huichol

A pesar de los desafíos moderno, como la presión sobre sus tierras ancestrales y la influencia occidental, los Huicholes han mantenido sus tradiciones culturales. Organizaciones como el Centro Indígena Huichol y artistas huicholes contemporáneos como Santos de la Cruz, aquí una muestra de su obra:

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César Menchaca

Pieza perteneciente a una exposición de arte huichol para crear conciencia sobre la conservación del jaguar. Obra del estudio del artista César Menchaca y de artesanos de la comunidad Wirákira.

o Santos Motoapohua de la Torre que es un artista huichol reconocido mundialmente. Su mural “Pensamiento y alma Huichol” de 2,40 x 3 metros está expuesto en el Palais Royal Musée du Louvre de París. Aunque, sinceramente, la historia que acompaña esta exposición no es demasiada afortunada y el trato que recibió el artista por parte de autoridades e instituciones fue escandalosa, ya que al artista no sólo nuca se le pagó el monto acordado por su obra que prometió el gobierno mexicano del presidente Cedillo, quien regalo su obra a la Unesco, sino que nunca fue invitado a la presentación de su obra y fue ignorado por todos.

Mural de Santo Motopohua de la Torre. Actualmente en el Palais Royal Musée du Louvre de París.

Estos artistas están trabajando incansablemente para preservar su herencia y llevar su arte y sabiduría al mundo. A pesar de ser, muchas veces considerados como meros artesanos, los artistas huicholes y sus obras, son dignos de estar en los museos y galerías más importantes del mundo, y deberían estar presentes cuando se habla de corrientes artísticas relevantes, tanto tradiciones como contemporáneas.

La cultura huichol es un tesoro de México que combina de manera única lo espiritual y lo artístico. A través de su profunda conexión con la naturaleza y el arte de cuentas de colores vivos, los Huicholes mantienen vínculos con sus raíces y la tierra que habitan. Su legado perdura, recordándonos la riqueza de la diversidad cultural y la necesidad de preservar las tradiciones que enriquecen nuestra humanidad.

El Punk: Un grito contra cultural

El movimiento punk, surgido a mediados de la década de 1970, es una de las corrientes culturales más influyentes y controvertidas en la historia de la música y el arte. Nacido en medio de un contexto socioeconómico y político tumultuoso, el punk no solo desafío las normas establecidas, sino que también dejó una huella perdurable en la música, el arte y la sociedad en general.

Orígenes del Punk.

El punk emergió a mediados de la década de 1970 en el Reino Unido y Estados Unidos como reacción visceral a la alienación, la desigualdad y la apatía que permeaba la sociedad de la época. En medio de una economía debilitada y una sensación generalizada de desencanto, los jóvenes de diferentes estratos sociales se unieron para formar una subcultura que rechazaba los valores convencionales y el consumismo desenfrenado.

Contexto Socioeconómico.

El contexto socioeconómico en el que floreció el punk fue fundamental para su surgimiento. En el Reino Unido, la crisis económica y la alta tasa de desempleo, especialmente entre los jóvenes, crearon un ambiente de frustración y desesperación. Las políticas conservadoras de Margaret Thatcher, que impulsaron la privatización y recortes en servicios públicos, también sirvieron como catalizador para la rebeldía punk.

En Estados Unidos, la escena punk surgió de la decadencia urbana y la desigualdad económica que afectaba a ciudades como Nueva York y Los Ángeles. La música punk se convirtió en un medio para expresar la angustia de los jóvenes que se sentían atrapados en un sistema que parecía estar en contra de sus intereses.

El Punk como movimiento contra cultural.

El punk se autodenominó un movimiento contra cultural, y su rechazo de las normas establecidas se reflejó en la música, su moda y su actitud. En la música, el punk se caracterizó por su simplicidad y crudeza, con canciones cortas y directas que abordaban temas como el aburrimiento, la alienación, la política y la rebeldía. Bandas icónicas como The Sex Pistols, The Clash y Ramones se convirtieron en estandartes del movimiento.

En cuanto a la moda, el punk introdujo un estilo disruptivo, con ropa rasgada, chaquetas de cuero con elementos metálicos, piercings y cabello teñido de colores vibrantes. Esta estética se convirtió en una forma de expresión que desafiaba las convenciones sociales y la uniformidad.

Impacto en el Arte y la Música.

El punk dejó huella imborrable en la música y el arte contemporáneo. Inspiró la creación de numerosos subgéneros musicales, desde el post-punk hasta el hardcore, y su actitud DIY (Hazlo tú mismo) impulsó la formación de bandas independientes y sellos discográficos, democratizando la producción musical.

En el arte, el punk influyó en movimientos como el arte callejero y el grafiti. Artistas como Jean-Michel Basquiat y Keith Haring, que emergieron de la escena punk, llevaron sus influencias a las galerías de arte y desafiaron las nociones tradicionales de lo que constituía el arte contemporáneo.

El movimiento punk, surgido en un contexto socioeconómico y político turbulento, se erigió como una fuerza contra cultural que desafió las normas y el conformismo. Su impacto perdura en la música, el arte y la cultura popular en general, recordándonos que la rebeldía y la autenticidad son elementos fundamentales en la evolución cultural y social. El punk continúa siendo un testimonio de la capacidad de la música y el arte para reflejar y dar forma a la realidad en la que surgen.

El Greco: del olvido a su descubrimiento por los maestros modernos.

La fascinante historia de cómo el pintor cretense quedó en el olvido durante siglos para ser redescubierto por los expresionistas alemanes, de la escuela de Viena y los impresionistas.

Paul Cézanne se inspiró en El Greco — Paul Cézanne y El Greco

Cuando se menciona el nombre de El Greco, la imágenes vívidas y emocionantes de sus obras maestras, con sus figuras alargadas y colores intensos, inmediatamente vienen a la mente. Sin embargo, la historia de este artista cretense es un relato de renacimiento artístico tardío que lo llevó del olvido a la aclamación mundial, gracias a gran parte a los movimientos artísticos de la Europa moderna.

El Greco, cuyo nombre real era Doménikos Theotokópoulos, nació en la isla de Creta en 1541 y pasó gran parte de su vida en España, en particular en Toledo, después de haber viajado a Roma y Venecia donde trabajó con Tiziano. Siempre sostuvo que Miguel Ángel Buonarroti “era un buen hombre, pero un pésimo pintor” lo que le granjeó muchas antipatías en Italia. Fue en Toledo donde creó sus obras más icónicas, alrededor de 300 pinturas. A pesar de su impresionante talento artístico y estilo único, El Greco murió en relativa oscuridad en 1614.

Tras su fallecimiento, la obra de El Greco cayó en un periodo de casi 300 años de relativo olvido. Su estilo visionario y expresivo, con figuras alargadas y un uso magistral de la luz y el color, parecía fuera de lugar en una época dominada por el barroco y el neoclasicismo. Sus obras no encajaban con las tendencias artísticas predominantes , y cayeron en el olvido.

el-martirio-de-san-mauricio — El martirio de San Mauricio

La anunciación (El Greco) — La anunciación

La resurrección (El Greco) — La resurrección

El entierro del señor de orgaz (El Geco) — El entierro del señor de orgaz

Pero no fueron solo los expresionistas quienes redescubrieron a El Greco. Los impresionistas franceses también desempeñaron un papel importante en su renacimiento artístico. Edouard Manet, uno de los principales artistas precursores del impresionismo, visitó el Museo del Prado en Madrid con la intención de estudiar a Diego Velázquez. Sin embargo, mientras exploraba las galerías del museo, se encontró con las obras de El Greco y quedó asombrado por su originalidad y audacia. Manet declaró: “Fui al El Prado a conocer a Velázquez y descubrí a El Greco”. Esta declaración destacó la impactante influencia de El Greco en la evolución del arte moderno.

La redescubierta de El Greco también influyó en otros grandes artistas, como Pablo Picasso, quien admiraba su uso del color y a forma. Picasso, a su vez, incorporó elementos del estilo de El Greco en su propio trabajo cubista.

Hoy en día, El Greco es reconocido como uno de los precursores del arte moderno. Sus obras maestras se exhiben en museos de todo el mundo, y su legado perdura en la obra de generaciones de artistas que han encontrado inspiración en su estilo único y visionario. El Greco, el pintor cretense que fue casi olvidado durante casi tres siglos, ha recuperado su lugar en la historia del arte como un maestro cuya visión audaz y expresiva continúa fascinando a espectadores y artistas por igual.

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