La obra que inició el arte moderno.

«Las señoritas de Avignon» es una obra maestra revolucionaria de Pablo Picasso que marcó un punto de inflexión en la historia del arte. Es una obra cuya importancia trasciende el ámbito artístico para convertirse en un hito cultural. Para entender por qué marcó un antes y un después en la historia del arte, es crucial explorar sus antecedentes de inspiración y los nuevos caminos en el Arte que provocó:

Antecedentes de inspiración:

Arte africano y oceánico: Picasso y otros artistas de la época estaban fascinados por el arte africano y oceánico, que había comenzado a llegar a Europa a finales del siglo XIX. Estas formas de arte presentaban una estética radicalmente diferente a la europea, con una simplificación de formas y una expresividad que desafiaba las convenciones occidentales. Picasso incorporó elementos de estas tradiciones en «Las señoritas de Avignon», como se puede ver en las máscaras africanas que influyeron en las caras geométricas y estilizadas de las figuras.
Influencia de artistas contemporáneos: Además de las influencias de culturas no occidentales, Picasso también se vio influenciado por otros artistas de su tiempo, como Paul Cézanne y Georges Braque. Cézanne había comenzado a descomponer las formas en sus pinturas, cuestionando la representación tradicional del espacio y la forma. Esta influencia se puede observar en la manera en que Picasso fragmenta y descompone las figuras en «Las señoritas de Avignon». Por otro lado, la colaboración de Picasso con Braque en el desarrollo del cubismo también influyó en esta obra, sentando las bases para un nuevo enfoque en la representación pictórica.

Rompiendo con la perspectiva tradicional:

Picasso desafió las convenciones de la representación pictórica al abandonar la perspectiva lineal y la representación realista. En lugar de ello, presentó figuras geométricas y distorsionadas que desafiaban las normas de belleza y proporción establecidas.

*Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York*

Las Señoritas de Avignon: Una obra con cientos de bosquejos preliminares

Seis meses antes de pintar la pieza, Picasso comenzó a producir cientos de bocetos preparatorios. Mientras que la pintura final se presenta en óleo, muchos de estos estudios se completan en una variedad de medios, incluyendo lápiz y acuarela. Los estudios para Las Señoritas de Avignon demuestran la evolución del concepto y muestran los cambios realizados por el artista durante el proceso de planificación. Picasso trabajó en Las Señoritas de Avignon como nunca antes había trabajado en ninguna pintura. Un historiador del arte incluso ha afirmado que los cientos de pinturas y dibujos producidos durante sus seis meses de gestación constituyen «una cantidad de trabajo preparatorio único, para una sola imagen, no solo en la carrera de Picasso, sino en toda la historia del arte».

Abriendo caminos:

Cubismo: «Las señoritas de Avignon» es considerada una de las primeras obras del cubismo, un movimiento que revolucionó la forma en que se representaba la realidad en el arte. El cubismo buscaba mostrar la multiplicidad de perspectivas y la fragmentación de la realidad, rompiendo con la idea de una sola visión coherente. Esta obra de Picasso anticipa el cubismo al presentar figuras descompuestas y formas geométricas, sentando las bases para el desarrollo posterior de este movimiento.
Abstracción y distorsión de formas: Picasso desafió las convenciones de representación pictórica al distorsionar y descomponer las formas en «Las señoritas de Avignon». Esta ruptura con la representación realista abrió nuevos caminos hacia la abstracción en el arte, donde los artistas exploraron la representación de formas no figurativas y la expresión de conceptos abstractos.
Exploración de la sexualidad y la identidad: La representación de figuras femeninas desnudas en «Las señoritas de Avignon» desafió las normas sociales y culturales de la época, abriendo un camino hacia la exploración de la sexualidad y la identidad en el arte. Esta obra provocó controversia al cuestionar los tabúes en torno a la representación del cuerpo y la sexualidad en el arte, abriendo nuevas posibilidades de expresión para artistas posteriores.
Influencia en el arte moderno: Esta pintura ejerció una influencia duradera en el arte moderno, inspirando a generaciones posteriores de artistas a explorar nuevas formas de representación y expresión. Su impacto se puede ver en movimientos artísticos posteriores como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el arte contemporáneo.

El París de 1907, cuando Pablo Picasso creó «Las señoritas de Avignon», era un centro cultural y artístico vibrante, pero también estaba marcado por importantes cambios históricos, sociales y económicos:

Contexto histórico:

Inicio del siglo XX: París estaba experimentando la transición de la Belle Époque al período de entreguerras. Este período se caracterizó por avances significativos en la ciencia, la tecnología y la industria, así como por cambios políticos y sociales profundos.
Precedentes de la Belle Époque: La Belle Époque, que abarcó aproximadamente desde finales del siglo XIX hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, fue una época de relativa estabilidad y prosperidad en Francia. Sin embargo, también estuvo marcada por tensiones sociales y políticas, así como por la agitación cultural y artística.

Contexto social:

Explosión demográfica: París experimentó un rápido crecimiento demográfico durante este período, atrayendo a artistas, intelectuales y trabajadores de diversas partes del mundo. Esto contribuyó a la diversidad y la efervescencia cultural de la ciudad.
Bohemia artística: Montmartre y Montparnasse se convirtieron en enclaves para artistas, escritores y músicos que buscaban libertad creativa y un estilo de vida bohemio. Estos barrios eran conocidos por sus cafés, cabarés y estudios de artistas, donde se gestaban nuevas ideas y movimientos artísticos.

Picasso en el local Lapin Agile. En su época de mayor esplendor, bajo la dirección del músico, pintor, poeta y animador Frédéric Gérard (conocido como *Père Frédé*)

Interior del estudio de Picasso en Bateau-Lavoir

Contexto económico:

Auge industrial: Francia experimentaba un período de crecimiento económico impulsado por la industrialización y la expansión de sectores como la minería, la metalurgia y la manufactura. Este crecimiento económico contribuyó a la atracción de inmigrantes y al desarrollo de la ciudad.
Mercado del arte: París se consolidaba como el epicentro del mercado del arte, con galerías, subastas y ferias que atraían a coleccionistas y mecenas de todo el mundo. Este contexto fomentaba la experimentación artística y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

En este contexto histórico, social y económico, Picasso creó «Las señoritas de Avignon» como una respuesta a los desafíos y las oportunidades de su tiempo. La obra refleja la diversidad y la complejidad de la vida urbana en París, así como las tensiones entre la tradición y la innovación, estableciendo así las bases para una nueva era en la historia del arte.

«Las señoritas de Avignon» de Picasso marcó un antes y un después en la historia del arte al desafiar las convenciones establecidas, abrir nuevos caminos en la representación pictórica y sentar las bases para movimientos artísticos posteriores. Su audacia y originalidad continúan inspirando a artistas y espectadores hasta el día de hoy.

Explorando las Teorías de Kandinsky: «Punto y Línea sobre Plano»

Wassily Kandinsky, pionero del arte abstracto, dejó un legado duradero no solo en su obra pictórica, sino también en sus escritos teóricos. Su libro de 1926, «Punto y Línea sobre Plano», es una obra seminal que explora las interconexiones entre formas geométricas básicas, colores y la experiencia emocional del espectador. Ésta es una breve aproximación a los postulados teóricos que Kandinsky plantea en esta obra.

El Punto y la Línea: Fundamentos de la Forma

Kandinsky comienza su exploración abordando el concepto del punto y la línea como elementos fundamentales en la creación artística. Para él, el punto representa la unidad mínima, una entidad concentrada que puede ser la semilla de toda creación visual. Es el resultado del «choque» de un instrumento sobre una superficie. El punto está en reposo hasta que una «fuerza» incide en él, al moverse, surge la línea. La línea, por otro lado, es una extensión del punto que puede viajar libremente a través del espacio, definiendo direcciones y creando formas más complejas. Si el punto se mueve en una sola dirección hace surgir la línea recta, pero si dos puntos chocan desde diferentes direcciones generan líneas quebradas o angulares.

De la línea recta, fruto de una sola fuerza con una dirección determinada, nacen tres formas geométricas básicas:

• El triángulo: resultado del impacto de tres fuerzas con la misma magnitud e intensidad y desde un ángulo de 45 grados.

• El cuadrado: resultado del impacto de cuatro fuerzas con la misma magnitud e intensidad y desde un ángulo de 90 grados.

• Y el círculo: quizás la idea teórica más interesante que, según Kandinsky, es el resultado de una fuerza inicial que origina una primera instancia de línea que es inmediatamente corregida por una cantidad infinita de fuerzas, de la misma intensidad y magnitud de ángulos obtusos (135 grados) que inciden con frecuencia muy alta sobre el recorrido de la línea de manera constante provocando que la linea se curve de manera perfecta.

Otros resultados gráficos que se derivan de este planteamiento, son las líneas quebradas de ángulos rectos, resultado de la incidencia de varias fuerzas y que no tienen porque ser de la misma intensidad y magnitud, ni mismo ángulo; y las líneas quebradas mixtas, es decir, las constituidas aleatoriamente por ángulos rectos y curvas, todos ellos con diferentes intensidades, magnitudes y ángulos.

La curva ondulada geométricamente. Hay dos tipos de curva: la ondulada geométricamente en las que los radios y las presiones positivas y negativas son iguales… y la ondulada libremente, en las que desaparece el aspecto geométrico y los radios y las presiones negativas-positivas están “al libre albedrío” La anchura de las líneas es importante, porque aumenta su sonoridad.

La Influencia del Color: Emoción y Vibración

Kandinsky creía que los colores tienen una influencia directa en las emociones y sensaciones del espectador. Asocia cada color con un estado de ánimo o un concepto espiritual, creando así un lenguaje visual rico y complejo. Para él, los colores no son simplemente entidades visuales, sino portadores de significado y expresión emocional.

Las líneas quebradas se pueden esquematizar en tres grupos: líneas quebradas con ángulo agudo (45º), líneas quebradas con ángulo recto (90º) y líneas quebradas con ángulo obtuso (135º). Estos ángulos son la transición necesaria antes de llegar a las formas básicas: el ángulo agudo se resuelve en triángulo, el ángulo recto en cuadrado y el ángulo obtuso en círculo.

Y es en este punto donde Kandinsky sugiere la relación entre ángulos y colores y, por extensión, entre formas básicas y colores: el ángulo agudo está más cerca del máximo de calor y tiene por tanto coloración amarilla; el ángulo obtuso está más cerca del máximo de frío y tiene entonces color azul; entre estos dos extremos se encuentran el ángulo recto y el color rojo.

Sinestesia: La Fusión de los Sentidos

Una de las ideas más fascinantes que Kandinsky explora es la sinestesia, la idea de que los estímulos de un sentido pueden provocar experiencias en otro sentido. Para él, el arte abstracto tiene el poder de evocar sensaciones similares a la música, donde la combinación de formas y colores puede desencadenar respuestas emocionales profundas en el espectador.

Abstracción: Más Allá de la Representación

Por encima de todo, Kandinsky aboga por la liberación del arte de la representación figurativa, permitiendo la expresión pura de formas y colores. Él ve en el arte abstracto la oportunidad de una comunicación más directa y universal, donde la mente del espectador es libre para interpretar y encontrar su propio significado en la obra.

La Belleza de la Abstracción

En «Punto y Línea sobre Plano», Kandinsky ofrece una visión profunda y emocionante del arte abstracto, revelando la magia y la complejidad detrás de formas y colores aparentemente simples. A través de sus teorías, invita a contemplar el mundo de una manera nueva, a través de los ojos del artista y del espectador, donde la expresión pura y la emoción se entrelazan en un baile vibrante de creatividad.

Cuando Vassily se encontró con Joan…

Llamativa y profunda es la relación entre la visión de Miró y la de otro genio capaz de plasmar poesía sobre el lienzo: Vassily Kandinsky.

Es indudable que Miró estaba muy lejos de la abstracción lírica del pintor ruso. Su cosmogonía era telúrica, firmemente aferrada a la tierra.

Pero los paralelismos entre ambos son poderosos: Miró había quedado fascinado al descubrir la obra de Kandinsky en los años veinte. Escribiría Miró: «Recuerdo sus pequeñas exposiciones en la Galerie Zack y en la Galerie Jeanne Bucher, en el boulevard de Montparnasse. Sus gouaches me llegaban al fondo del corazón, se podía, al fin, escuchar música al mismo tiempo y leer un bello poema. Eso era algo mucho más ambicioso y profundo que el frío cálculo de Sectión d’Or» [el colectivo asociado al cubismo y el orfismo]

Se conocieron y entablaron gran amistad cuando el pintor ruso se mudó a Francia en 1933. De nuevo Miró: «Tuve el honor de tratar a Kandinsky desde que salió de la Alemania nazi para instalarse en París. En aquellos momentos todos los maestros se negaban educadamente a aceptarle, los críticos le tildaban de profesor de escuela y ponían la etiqueta de trabajos de ganchillo a sus cuadros.
Este Gran Príncipe del espíritu, este Gran Señor, vivía muy aislado, sólo veía a muy pocas personas, que le eran totalmente fieles.
André Breton nos hablaba de él como de alguien que había ido más allá de la pintura y que nos aportaba la inspiración de Oriente«.

También establecieron una estrecha relación sus respectivas esposas: Pilar Juncosa y Nina Andreevskaya. Se creó un poderoso vínculo personal: fueron juntos de vacaciones, Nina y Vasily estuvieron en Mont-roig en 1935, expusieron juntos en varias ocasiones e intercambiaron pinturas.

Finalmente, se sabe que Kandinsky visitó a la familia Miró en su refugio de Varengeville al menos una vez.

La admiración mutua era enorme, casi mística ¿Cómo no iban a influenciarse el uno al otro?

Los universos de formas orgánicas, la afinidad de sus formas y colores, la expresión del mundo interior del artista y de su visión imaginaria…

Kandinsky nunca buscó la abstracción pura, carente de referencias del mundo real: siempre hay una realidad mental o natural detrás de sus obras abstracta. Ciertamente, la visión final de Vasily es abstracta y la de Miró simbólica.

Pero ambos desarrollan un universo de ingravidez, un espacio sin horizonte en que las figuras se revelan en todas direcciones, con el dinamismo de una coreografía y la vehemencia del color puro.

Mientras Kandinsky desarrolla una obra que se aproxima a la música, las Constelaciones de Miró se acercan a la danza.
Una danza cósmica, en que el universo entero constituye una unidad, con el impacto emocional del color.

Fuente: Galerías de Arte Barcelona. Autor: Edi Kastas

Kandinsky y Miró: Una amistad artística

En la vibrante escena artística del siglo XX, las relaciones entre artistas a menudo han sido fuentes de inspiración y desarrollo creativo. Uno de los encuentros más significativos fue el de Vassily Kandinsky y Joan Miró, dos gigantes del arte moderno cuyas obras revolucionaron la manera en que entendemos el arte abstracto y surrealista.

La amistad entre Kandinsky y Miró no solo se basó en un profundo respeto mutuo, sino que también se convirtió en un terreno fértil para la exploración artística y la influencia creativa. Aunque provenientes de diferentes contextos culturales y estilísticos, encontraron puntos de convergencia en sus visiones artísticas y en su búsqueda de la expresión emocional y espiritual a través del arte.

Una de las influencias más evidentes fue el intercambio de ideas sobre la abstracción. Kandinsky, conocido como el padre del arte abstracto, compartió con Miró su fascinación por liberar al arte de las limitaciones de la representación figurativa. Esta influencia se refleja en la obra de Miró, quien experimentó con formas abstractas y símbolos surrealistas, dando lugar a un lenguaje visual único que exploraba lo irracional y lo intuitivo.

Del mismo modo, Miró influyó en Kandinsky con su enfoque surrealista y su uso innovador del color y la forma. Aunque Kandinsky se centraba principalmente en la abstracción geométrica, la obra de Miró despertó en él una nueva apreciación por la libertad creativa y la experimentación visual. Esta influencia se puede observar en algunas de las obras tardías de Kandinsky, donde se percibe una mayor fluidez y espontaneidad en las formas y los colores.

Centro acompañado. 1937. Vassily Kandinsky

Formas caprichosas, 1937. Vassily Kandinsky

Alrededor del círculo, 1940. Vassily Kandisnsky

Acciones variadas, 1941. Vassily Kandinsky

Ribbon with squares, 1944. Vassily Kandisnsky

Además de las influencias estilísticas, la amistad entre Kandinsky y Miró también fue una fuente de apoyo emocional y creativo. Se escribían cartas regularmente, compartiendo ideas, reflexiones y proyectos artísticos. Esta conexión personal ayudó a alimentar la creatividad de ambos artistas, brindándoles un sentido de comunidad en un mundo artístico en constante cambio.

En última instancia, la relación entre Vassily Kandinsky y Joan Miró fue mucho más que una simple amistad; fue un diálogo creativo que enriqueció las trayectorias artísticas de ambos artistas y dejó una marca indeleble en la historia del arte moderno. A través de su colaboración informal y su intercambio de ideas, Kandinsky y Miró trascendieron las barreras del tiempo y el espacio, creando un legado artístico que continúa inspirando a generaciones de artistas en todo el mundo.

Cómo calcular fácilmente la proporción áurea de un segmento.

La proporción áurea, también conocida como la divina proporción, el número de oro o la razón áurea, es una relación matemática especial que ha fascinado a matemáticos, artistas, arquitectos y filósofos durante siglos. Aunque no hay un inventor específico de la proporción áurea, ha sido reconocida y utilizada desde tiempos antiguos.

El interés por esta proporción se remonta a la antigua Grecia, donde se atribuye a los pitagóricos la exploración de sus propiedades matemáticas y geométricas. Sin embargo, su nombre «proporción áurea» proviene de la asociación con el número áureo (el número de oro), un término que fue utilizado por primera vez en el siglo XIX por el matemático alemán Martin Ohm.

La propoción áurea es una relación matemática especial que se encuentra en muchos aspectos de la naturaleza, el arte y la arquitectura. Se representa mediante la letra griega phi (φ) y tiene un valor aproximado de 1.618033988749895. Es un número irracional y tiende al infinito.

La relación de la proporción áurea se puede resolver mediante varios métodos como en la siguiente ecuación:

La proporción áurea se define de la siguiente manera: si un segmento se divide en dos partes de manera que la relación entre la longitud del segmento completo (a) y la longitud de la parte más larga (b) sea igual a la relación entre la parte más larga (b) y la parte más corta (c), entonces se dice que es una proporción áurea.

Existe un método muy sencillo de resolver la proporción áurea de un segmento dado.

Supongamos que la longitud total de nuestro segmento es 100. Llamaremos a este segmento (a). Y queremos dividirlo en dos segmentos (b) y (c) según la proporción áurea.

Sólo tenemos que dividir a=100 por el número de oro 1,618, cuyo resultado es igual a 61,80. Esta es la medida de uno de los segmentos, supongamos (b). Ahora sólo nos queda restar la medida (b) = 61,80 de la medida (a) =100.

100(a) – 61,80(b) = 38,2 sería la medida (c)

Así, obtendríamos que un segmento (a) de longitud total = 100 si se divide en dos segmentos que midan (b) = 61,80 y (c) = 38,2 cumplirá con la proporción áurea o la regla de oro.

La proporción áurea puede encontrarse en diversas formas en la naturaleza, como en la disposición de las hojas en una planta, la estructura de los caparazones de ciertos moluscos, la forma de las galaxias, etc. También ha sido ampliamente utilizada en el arte y la arquitectura a lo largo de la historia.

Algunos ejemplos prácticos de su aplicación incluyen:

Arquitectura: Muchas obras arquitectónicas famosas han utilizado la proporción áurea en su diseño. Por ejemplo, la Gran Pirámide de Giza en Egipto se cree que tiene ciertas proporciones que se relacionan con el número de oro.
Arte: Artistas como Leonardo da Vinci y Salvador Dalí han utilizado la proporción áurea en sus obras. Por ejemplo, la Mona Lisa de da Vinci y La Última Cena son ejemplos de obras que se dice que siguen los principios de la proporción áurea.
Fotografía y Diseño Gráfico: Los fotógrafos y diseñadores gráficos a menudo utilizan la proporción áurea para componer imágenes de manera más estéticamente agradable. La regla de los tercios en fotografía es una aplicación común de esta proporción.
Música: Algunos compositores han utilizado la proporción áurea en la estructura de sus obras musicales, tanto en la composición de piezas individuales como en la organización de álbumes completos.

La proporción áurea es una relación matemática especial que se encuentra en muchos aspectos de la naturaleza, el arte y el diseño. Su aplicación puede generar composiciones visualmente atractivas y armoniosas.

Los Orígenes del Cómic Underground

El cómic underground, un movimiento contracultural que surgió en la década de 1960 en los Estados Unidos, representó un cambio radical en la forma en que se concebían y producían los cómics. Rompiendo con las convenciones de los cómics comerciales convencionales, el cómic underground exploró temas tabú, desafió las normas sociales y culturales, y proporcionó una plataforma para voces marginadas y alternativas. En este artículo, exploraremos los orígenes del cómic underground, su significado y su legado perdurable en la cultura popular.

Los Inicios: Contracultura y Rebelión

El cómic underground tuvo sus raíces en el clima de cambio social y político de la década de 1960 en los Estados Unidos. En un momento en el que la juventud estadounidense estaba cuestionando las instituciones establecidas y buscando nuevas formas de expresión artística y cultural, los cómics underground surgieron como una respuesta a la conformidad y la censura que dominaban la industria del cómic mainstream.

Publicaciones Pioneras: Zap Comix y otros

Uno de los hitos más importantes en la historia del cómic underground fue la creación de «Zap Comix» por el legendario artista Robert Crumb en 1968. «Zap Comix» se convirtió en una plataforma crucial para los artistas underground, presentando obras provocativas y subversivas que desafiaban las normas convencionales de la sociedad. Otras publicaciones influyentes incluyeron «The Fabulous Furry Freak Brothers» de Gilbert Shelton, «It Ain’t Me, Babe» de Trina Robbins, y «Slow Death Funnies» de Greg Irons, entre otros.

Portada de «The Fabulous Furry Freak Brothers»

Temas y Estilos: Exploración de lo Tabú

Lo que distinguió al cómic underground fue su disposición para abordar temas tabú y controvertidos de manera franca y directa. Desde la exploración de la sexualidad y las drogas hasta la crítica política y social, los cómics underground se convirtieron en un espacio para la libre expresión y la experimentación artística. Los artistas utilizaban un amplio espectro de estilos visuales, desde la caricatura grotesca hasta la ilustración detallada, para transmitir sus mensajes de manera impactante y memorable.

Impacto y Legado: Influencia Duradera

Aunque el movimiento del cómic underground alcanzó su apogeo en la década de 1960 y 1970, su influencia continúa resonando en la cultura popular contemporánea. La estética y el enfoque subversivo del cómic underground han influido en una amplia gama de medios, incluidos el cine, la música y el arte contemporáneo. Además, muchos de los artistas que surgieron del movimiento underground, como Robert Crumb, Gilbert Shelton y Art Spiegelman, continúan siendo figuras influyentes en el mundo del arte y la cultura alternativa.

El cómic underground representó un punto de inflexión en la historia del cómic, desafiando las convenciones establecidas y proporcionando una plataforma para la libre expresión y la experimentación artística. Aunque el movimiento puede haber surgido en un momento específico en la historia, su legado perdura como un recordatorio de la importancia de cuestionar las normas sociales y culturales y de celebrar la diversidad y la singularidad en todas sus formas.

Caminante no hay camino

Todo pasa y todo queda
pero lo nuestro es pasar,
pasar haciendo caminos,
caminos sobre el mar.

Nunca perseguí la gloria,
ni dejar en la memoria
de los hombres mi canción;
yo amo los mundos sutiles,
ingrávidos y gentiles,
como pompas de jabón.

Me gusta verlos pintarse
de sol y grana, volar
bajo el cielo azul, temblar
súbitamente y quebrarse…
Nunca perseguí la gloria.

Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.

Al andar se hace camino
y al volver la vista atrás
se ve la senda que nunca
se ha de volver a pisar.

Caminante no hay camino
sino estelas en la mar…
Hace algún tiempo en ese lugar
donde hoy los bosques se visten de espinos
se oyó la voz de un poeta gritar
“Caminante no hay camino,
se hace camino al andar…”
Golpe a golpe, verso a verso…

Murió el poeta lejos del hogar.
Le cubre el polvo de un país vecino.
Al alejarse le vieron llorar.
“Caminante no hay camino,
se hace camino al andar…”
Golpe a golpe, verso a verso…

Cuando el jilguero no puede cantar.
Cuando el poeta es un peregrino,
cuando de nada nos sirve rezar.
“Caminante no hay camino,
se hace camino al andar…”
Golpe a golpe, verso a verso.

Antonio Machado

Imagen generada con IA

La Catrina: Icono del Día de los Muertos en México

El Día de los Muertos es una de las festividades más emblemáticas de México, que celebra la vida y la memoria de los seres queridos que han fallecido. Una figura fundamental en la popularización y representación de esta festividad es José Guadalupe Posada, un talentoso ilustrador y grabador del siglo XIX, y su icónica creación, La Catrina (en su origen llamada Catrina Garbancera). Estos dos elementos, Posada y La Catrina, han llegado a simbolizar el espíritu y la esencia misma del Día de los Muertos en México.

Las Raíces Prehispánicas del Día de los Muertos

El Día de los Muertos, o Día de Muertos, tiene sus raíces en las antiguas culturas indígenas de México, en particular, los aztecas y los mayas. Estas civilizaciones celebraban festivales para honrar a los muertos y a los ancestros, a menudo vinculados a la recolección de maíz y otros cultivos. Uno de los rituales más conocidos es el festival azteca Miccailhuitontli, que duraba un mes y honraba a los difuntos.

Los aztecas creían que la muerte era una continuación de la vida y que los espíritus de los fallecidos regresaban para visitar a sus seres queridos. Durante la época prehispánica, las tumbas se decoraban con ofrendas de alimentos, flores (principalmente cempasúchil) y objetos personales. Esta conexión entre los vivos y los muertos es una característica fundamental del Día de los Muertos.

José Guadalupe Posada: El Forjador de la Imagen

José Guadalupe Posada, nacido en 1852 en Aguascalientes, México, es una figura clave en la transición de esta festividad ancestral a su forma contemporánea. Posada fue un artista talentoso que se destacó en la ilustración y la impresión, y es ampliamente conocido por su contribución a la cultura mexicana a través de su representación de calaveras y esqueletos.

La calavera de Don Quijote. Obra de José Guadalupe Posada.

La gloriosa campaña de Madero. Obra de José Guadalupe Posada.

Grabado del propio Posada y varios de sus trabajos.

A lo largo de su carrera, Posada creó numerosas imágenes de calaveras satíricas que criticaban a la sociedad y la política de su tiempo. En 1910, produjo su obra maestra, La Catrina. Esta elegante figura esquelética vestida con ropa de la alta sociedad se convirtió en un ícono de la burla hacia la pretensión social. Si bien La Catrina inicialmente representaba una crítica a la élite mexicana, con el tiempo, adquirió un significado más profundo y se convirtió en un símbolo de la conexión entre la vida y la muerte.

La Catrina y el Día de los Muertos Contemporáneo

José Guadalupe Posada y su creación, La Catrina, desempeñan un papel significativo en el Día de los Muertos contemporáneo. Las imágenes de La Catrina se han incorporado a las festividades en forma de calacas y calaveras de azúcar, elementos esenciales en las ofrendas. La Catrina, con su elegante vestimenta, actúa como un recordatorio de la igualdad en la muerte y la importancia de honrar a nuestros seres queridos fallecidos.

El Día de los Muertos, en su forma actual, conserva elementos de las festividades prehispánicas, como la construcción de ofrendas, la visita a tumbas y la creencia en la conexión entre los vivos y los muertos. José Guadalupe Posada y La Catrina ayudan a mantener viva esta tradición al agregar una capa de creatividad y expresión artística.

José Guadalupe Posada y La Catrina sirven como un puente entre las raíces prehispánicas del Día de los Muertos y su expresión contemporánea. A través de su arte, han contribuido a mantener viva esta festividad única que celebra la vida y la memoria de los seres queridos que han fallecido. La Catrina, en particular, ha pasado de ser una sátira social a un símbolo de la conexión entre los vivos y los muertos, encapsulando la esencia misma de esta celebración que es tan querida en México y en todo el mundo.

RanXerox: Una Inmersión en el Ciberpunk

El cómic RanXerox es una obra innovadora que ha dejado una marca indeleble en la historia del cómic y ha influido significativamente en el género del ciberpunk. Creado por el guionista Stefano Tamburini e ilustrado primero por el dibujante Andrea Pazienza y después por Tanino Liberatore, RanXerox se destaca por su enfoque audaz, su estética distópica y su exploración de temas relacionados con la tecnología y la evolución humana.

RanXerox: Orígenes y Creación

RanXerox, una serie de cómics publicada por primera vez en la revista «Cannibale» en la década de 1980, es el producto de la colaboración entre el guionista Stefano Tamburini y los dibujantes Andrea Pazienza y Tanino Liberatore. El cómic narra la historia de RanXerox, un androide gigante compuesto por partes de máquinas y una diminuta pero carismática ciborg llamada Lubna.

Stefano Tamburini, guionista de la serie, fue un escritor italiano conocido por su trabajo en la revista «Frigidaire» y su enfoque audaz y provocativo. Andrea Pazienza y Tanino Liberatore, por otro lado, eran talentosos ilustradores que aportaron sus habilidades artísticas al proyecto. La colaboración de estos tres talentos dio lugar a un cómic que desafiaba las normas establecidas del género y exploraba nuevas direcciones artísticas y narrativas.

Estilo y Estética de RanXerox

Una de las características más notables de RanXerox es su estética visual única y su estilo crudo. Tanino Liberatore y Andrea Pazienza aportaron un realismo crudo a la serie, llenándola de detalles y caracterizando a los personajes con una sensación de decadencia. Las viñetas están cargadas de imágenes impactantes, que oscilan entre lo grotesco y lo sublime.

La trama del cómic, ambientada en un futuro distópico, refleja un mundo lleno de violencia, decadencia y deshumanización. La sociedad retratada en RanXerox es un lugar peligroso y oscuro, donde la tecnología se ha vuelto omnipresente y ha modificado profundamente la vida humana. Este enfoque en la fusión de la tecnología y la humanidad es una de las características clave que vinculan RanXerox con el género ciberpunk.

Influencia en el Ciberpunk

RanXerox ha tenido una influencia significativa en el género ciberpunk. El cómic se publicó en una época en la que el ciberpunk estaba tomando forma, con obras literarias como «Neuromante» de William Gibson y películas como «Blade Runner» de 1982 que fue adaptada libremente por Ridley Scott basada en la novela corta de ciencia ficción del subgénero ciberpunk del autor Philip K. Dick: ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? publicada inicialmente en 1968. La estética y la temática de RanXerox, con su exploración de la fusión entre humanos y tecnología, la decadencia urbana y la violencia, resuenan con los elementos fundamentales del ciberpunk.

El ciberpunk se caracteriza por su enfoque en la tecnología, la distopía y la lucha contra la autoridad, y RanXerox aborda estos temas de manera impactante. La historia de Lubna y RanXerox, una joven ciborg y su compañero androide, encarna la relación entre humanos y máquinas de manera cruda y provocativa, cuestionando la definición misma de humanidad.

RanXerox, es un cómic que ha dejado una huella profunda en la historia del cómic y ha influido significativamente en el género ciberpunk. Su enfoque audaz, su estética distópica y su exploración de temas relacionados con la tecnología y la evolución humana son elementos clave que lo vinculan con el ciberpunk. A través de su estilo visual crudo y su trama impactante, RanXerox aborda cuestiones que siguen siendo relevantes en la actualidad en el contexto de la relación entre humanos y tecnología. Esta obra sigue siendo un hito en el mundo del cómic y una fuente de inspiración para artistas y escritores interesados en el ciberpunk y la exploración de los límites de la humanidad en la era digital.

Creencias de posesión y violencia extrema.

La creencia de que una persona puede pertenecer a otra es una idea arraigada en la sociedad y en las relaciones de pareja y familia. Esta creencia puede tener raíces profundas en motivaciones psicológicas, socioeconómicas y educativas. Sin embargo, es fundamental comprender que esa creencia puede desencadenar consecuencias de violencia extrema en los senos familiares y de pareja.

Motivaciones psicológicas

• Inseguridad emocional:

Las personas que tienen una baja autoestima o que han experimentado traumas pueden sentir la necesidad de controlar y poser a sus parejas o familiares como una forma de mitigar su propia inseguridad.

• Dependencia emocional:

La dependencia emocional puede llevar a una creencia de que la pareja o el familiar es la única fuente de felicidad y satisfacción. Esto puede fomentar la idea de propiedad sobre esa persona.

• Trastornos de personalidad:

Algunas personas con trastornos de personalidad, como el trastorno límite de la personalidad, pueden luchar con la regulación de las emociones y mantener relaciones saludables, lo que puede dar lugar a patrones de posesión y control.

Motivaciones socioeconómicas

• Control de recursos económicos:

Estas relaciones en las que una persona controla significativamente los recursos económicos, puede surgir la creencia de propiedad sobre la pareja o la familia. Quienes controlan los recursos pueden sentir derecho a imponer su voluntad.

• Normas culturales y tradicionales:

En algunas culturas, las normas tradicionales de género pueden fomentar la creencia de que las mujeres son propiedad de los hombres. Estas normas pueden perpetuar la violencia en las relaciones.

Motivaciones de educación

• Falta de educación en relaciones saludables:

La falta de educación sobre relaciones saludables y la resolución de conflictos puede llevar a la creencia de que el control y la posesión son normales en las relaciones.

• Exposición a modelos de relaciones tóxicas:

Si una persona ha sido testigo de relaciones tóxicas o violentas en su entorno familiar o social, es más probable que internalice estas dinámicas y las considere normales.

Consecuencias de la violencia extrema

La creencia de propiedad en las relaciones puede dar lugar a diversas formas de violencia extrema, que incluyen:

• Violencia física:

El agresor puede recurrir a la violencia física para afirmar su control y poder sobre la víctima.

• Violencia psicológica:

La víctima puede ser sometida a manipulación, amenazas, control emocional y aislamiento.

• Violencia sexual:

La creencia de propiedad puede dar lugar a la violación y la coerción sexual en las relaciones.

• Violencia económica:

El agresor puede controlar los recursos económicos y la independencia financiera de la víctima.

• Violencia simbólica:

Las personas pueden ser denigradas, deshumanizadas y tratadas como objetos por parte del agresor.

La creencia de que una persona puede pertenecer a otra puede surgir de diversas motivaciones psicológicas, socioeconómicas y de educación. Sin embargo, estas creencias pueden llevar a consecuencias devastadoras, que van desde la violencia física y psicológica hasta la privación de la libertad y la dignidad de la víctima. Es esencial abogar por la educación en relaciones saludables, fomentar la igualdad de género y promover el respeto mutuo como estrategias para abordar y prevenir la violencia extrema en los senos familiares y de pareja. La comprensión de las raíces de estas creencias es un paso crucial en la lucha contra la violencia de género y la violencia doméstica.

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Eros y Tanatos: La eterna lucha

Estos conceptos, que provienen de la psicología y la filosofía, representan dos fuerzas fundamentales en la experiencia humana, una relacionada con el amor y el impulso de la vida, y la otra relacionada con la muerte y la destrucción.

Eros: El impulso de Vida

Eros es una noción que se originó en la mitología griega, representando al dios del amor y el deseo. En el contexto de la psicología, el término fue popularizado por Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis, para describir el impulso fundamental de vida que motiva a las personas hacia la autoafirmación y la reproducción. Eros se asocia con el amor, la atracción sexual y la búsqueda de la felicidad y el placer.

El concepto de Eros implica que los seres humanos están motivados por el deseo de conectarse con otros, de buscar relaciones íntimas y de experimentar la satisfacción y el placer de diversas formas. Está relacionado con la búsqueda de la felicidad, el amor romántico y la creatividad. En la teoría freudiana, Eros se opone a Tanatos, que representa la pulsión de muerte.

Tanatos: La pulsión de Muerte

Tanatos, en contraste con Eros, representa la pulsión de muerte o impulso destructivo. Sigmund Freud desarrolló esta idea en su trabajo, sugiriendo que los seres humanos también albergan un impulso innato hacia la autodestrucción y la destrucción de otros. Este concepto es más abstracto que Eros y se relaciona con la agresión, la violencia y la autodestructividad.

Tanatos no implica necesariamente un deseo consciente de morir o de herir a otros, sino que se refiere a la presencia de una fuerza destructiva que puede manifestarse en formas más sutiles, como la agresión reprimida o la impulsividad. Se argumenta que la civilización y la cultura son formas en que la sociedad canaliza y controla la pulsión de muerte, estableciendo normas y restricciones para prevenir, a priori, el caos y la destrucción.

La civilización y la cultura, a través de sus normas y valores, juegan un papel importante en la gestión de estas fuerzas. La represión excesiva de Eros o el descontrol de Tanatos pueden llevar a problemas psicológicos. La terapia psicoanalítica, en particular, busca ayudar a las personas a comprender y equilibrar estas pulsiones internas para lograr una vida más saludable y satisfactoria. Eros y Tanatos son conceptos fundamentales en la psicología freudiana que representan las dos fuerzas opuestas en la experiencia humana: el impulso de vida y el impulso de muerte. Estas fuerzas influyen en nuestra motivación, emociones y comportamiento, y su interacción es fundamental para comprender la psicología humana. A través de la autoconciencia y el equilibrio de estas pulsiones, las personas pueden buscar una vida más plena y satisfactoria. Estos conceptos son la evidencia de cuan rica y compleja es la psicología humana, y recuerdan que la comprensión de nuestras motivaciones internas es crucial para el crecimiento personal y el bienestar

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